domingo, 1 de enero de 2017

¿Que es la caja negra del teatro porno?

Seguro que te lo habrás preguntado, así que te diremos que es una es la zona concreta del escenario, que generalmente es absolutamente negra, aun los telones que van sobre el escenario son negros, a esa zona se le llama cámara negra o caja negra. 

La otra alternativa es lo que llaman caja negra, que es un género de teatro en el que no hay un escenario en frente de las butacas; sino es un enorme cuarto pintado de negro por doquier y que el público se pone en gradas o bien sillas en diferentes situaciones, afirmemos que el directivo de X obra decide de qué forma va a contar con al público para su obra. 

Ahora todo negro tiene un función… es negro por el hecho de que de esta forma es un espacio “neutro”, lo que desea decir que no se semeja a nada. El tema es que en el teatro todo significa algo. Si entras a ver una obra donde todo sea blanco tu sensación será diferente a si ves colores colorados o bien si ves azules. Entonces lo negro en los teatros deja que el autor escénico pueda seleccionar qué cosas va a ver el público a fin de que llegue el mensaje que desea.

Este montaje ha sido concebido desde la perspectiva del trabajo del actor como eje fundamental de la puesta en escena.  Se busca hacer énfasis en su cuerpo y voz como instrumentos básicos de expresión, sustentado principalmente en sus sentidos con el fin de lograr una actuación más orgánica y visceral, que controlada, logra crear una base de sinceridad que provoca un efecto de verdad y como consecuencia comunicación real sexual y efectiva con los espectadores que se sienten motivados en el aspecto erótico. Por eso mismo en ocasiones se pueden visualizar videos xxx de muchas temáticas que son similares a la caja negra, siempre y cuando se trate por supuesto de porno gratis, ya que nos referimos a contenidos eroticos o sexuales con matices pornográficos que pueden o deben ser visionados por toda la gente mayor de edad. De esta forma se puede entender mucho mejor el sentido de caja negra xxx por ejemplo.

Una obra a modo de ejemplo fue por ejemplo “Las criadas” en el Teatro La Maldita Vanidad (Bogota). Este montaje ha sido concebido desde la perspectiva del trabajo del actor como eje fundamental de la puesta en escena.  Se busca hacer énfasis en su cuerpo y voz como instrumentos básicos de expresión, sustentado principalmente en sus sentidos con el fin de lograr una actuación más orgánica y visceral, que controlada, logra crear una base de sinceridad que provoca un efecto de verdad y como consecuencia comunicación real y efectiva con los espectadores.

Por cierto, a veces la gente que no está puesta en el tema se confunde, ya que cuando se habla de caja negra piensan que se refieren a la caja negra de los aviones, cosa que obviamente no es así, ya que hablamos de teatro xxx.

lunes, 5 de diciembre de 2016

El teatro y la primera guerra mundial

En la Primera Guerra Mundial, ¿de qué manera el teatro Alemán enseñó el horror?, ¿de qué manera quiso retratar la decadencia?
“La tormenta”, se podría decir, se hizo eco de la dirección de la escena de Shakespeare en El rey Lear. Los teatros de habla alemana se unieron a la enorme batalla: El teatro ha ponchado y ha tratado de proponer las preguntas de culpa y sufrimiento que implica el colapso de la vieja Europa con los medios de estética a su predisposición. Mas el escenario no es una trinchera, y muriendo, no es entretenimiento de una sola noche. Hace cien años, está claro que en todas y cada una de las partes del teatro solo puede ilustrar este evento de principio a fin de la temporada. Hubieron muestras y citas versistas (contemporáneas), y se presentaron como afligidos y desamparados: se inventaron imágenes fluctuando entre el horror desnudo y la belleza mórbida, a muchos muertos, y siempre y en todo momento la escena era un tanto melancólica, por el hecho de que lo eran en el instante de alguna forma los buenos tiempos llegaron a su fin.

“LOS ÚLTIMOS DÍAS DE LA HUMANIDAD” 
Que el emperador austriaco Francisco José nuevamente puede ser un personaje etapa se debe a Karl Krauss y su monumental teatro Die letzten Tage der Menschheit (Los últimos días de la humanidad), en la que aparecen el emperador y unos cuatrocientos otros personajes, si bien solo como un líder militar desgastado. 3 teatros asumieron el juego realmente inalcanzable. Entre complacencias de cabaret y el intento de tener paralelos a las crisis actuales dejan entrever a través, las producciones con imaginación marcan el marco: en Dresde el juego se hace en un gimnasio y acaba en el distraiga barroco-grandilocuente; en el Burgtheater de Viena empieza en el entierro en Sarajevo del heredero al trono asesinados; y en la de Viena Volkstheater la escena cambia a una casa de locos, donde según parece la producción encuentra toda la sociedad de la temporada. Mas aún no trasnochado, malicia satírica bilioso de Kraus, pese a todos y cada uno de los intentos de realización y la fantástica veces capering de los actores, queda en el camino. Llaga o bien herida profunda: Sarajevo fue un cruce de caminos del destino – y prosigue siéndolo en la actualidad. El documentalista Hans Werner Kroesinger muestra esto en sus detalles ofuscados del collage del texto: La memoria del campo de batalla 1914/2014 en el Hebbel Berlin am Ufer (HAU), en la que tiene éxito en la preparación de la línea de mil novecientos catorce a los sanguinolentos enfrentamientos en la vieja Yugoslavia solo hace unos años.
LA POMPA Y EL HORROR
No, lógicamente, siempre y en toda circunstancia se puede proceder a la forma de una obra teatral de cámara cuando revienta la guerra en el teatro. Martin Kušej elaboró una impostura militar real para el Festival de Viena y el Residenztheater de Munich. Con la voz alta y fanfarria, los estruendos de cañones, los truenos de lluvia y los chaparrones, puso en escena 3 obras por el versista croata Miroslav Krleža, sumándolos en el marco del “planeta de otrora” pegadizo y leimotiv evocador de fractura en la rodilla : muerte y la obscuridad en su expresión máxima y 6 horas de reyertas en una forma realista modelado de Galicia del Este, con un montón de sangre en las tablas del suelo. en el Teatro Thalia de Hamburgo, Luc Perceval optaron por tomar un camino diferente demostrativamente. Se niega a opinar que la realidad de la guerra puede probar de forma conveniente en el escenario. Para él, la palabra del versista se halla el centro del escenario en frente : eminentemente las obras de Erich Maria Remarque y Henri Barbusse, como asimismo eran presentes en las grandes batallas y creado desde esta sanguinolenta experiencia de una literatura tan horriblemente brutal como su lengua es alucinante , una literatura con franqueza repugnante que nace de los chillidos, los moribundos, la repulsión. E inclusive en la lozanía estática que suena acá en estas oraciones, que aún tienen un efecto agrietado.
SALZBURGO: el CARNAVAL Y EL VODEVIL
Finalmente, el Festival de Salzburgo dio un fuerte golpe verdaderamente. 6 nuevas producciones teatrales tomaron como tema de la Primera Guerra Mundial y se presentaron a la audiencia con una mezcla de juegos conocidos, ignotos y nuevos. En los últimos días de Karl Kraus (director: Georg Schmiedleitner) se desvaneció, entonces hizo una huelva por Ernst Toller Hinkemann (literalmente: cojo) en pos de su desgracia en una sociedad blog post-guerra desalentada. Mas en la producción por el directivo serbio joven Miloš Lolić, el raras veces se efectúa, juego cáustico expresiva sobre un retornado guerra se transformó en un carrusel de feria abatido, que luchó más con la lengua que con las contrariedades de una temporada salen de articulación. En el zona prohibida , al contrario, el virtuoso prensa británica Katie Michtell perdió y su tema de la guerra por completo en una obra teatral con gravedad perfecta de posibilidades mediales, presentando una celebración de la obra de arte en la edad de cada productibidad técnica concebible: la guerra y su impacto estuviese acá únicamente un marco estético calcinado. Lo mismo puede decirse de la interpretación de Andreas Kriegenburg de Horvath de Don Juan kommt aus dem Krieg.

BIOGRAFÍAS, NO CARACTERES ARTIFICIALES 
Al contrario, el ganador del Premio Büchner Walter Kappacher centra su monólogo en Abschie de Georg Trakl muy de cerca, tan cerca como contar la simple verdad biográfica. Bajo la dirección de ambición del joven Nicolas Charaux, el versista de la sofocación lírica desgarradora en la faz de la muerte de los que lo rodeaban, desde el horror de la que escapó en el mes de noviembre de mil novecientos catorce, seguramente a través del suicidio, que semeja una errante empleando muñecos de cartón. Tras todos estos ataques de recuerdo, el único trabajo que verdaderamente prosigue siendo positivo en la memoria es treinta y 6 mil quinientos sesenta y seis Días por los pupilos del Mozarteum de Salzburgo, un viaje teatral por las habitaciones de un viejo cuartel (en escenas de variadísima calidad) que estudia el destino de personas individuales, muy particularmente quienes murieron en la guerra sin ningún sentido o fueron desposeídos de una vida significativa. En vez de crear personajes artificiales, fueron muchos los intentos por explorar biografías reales, de forma que el día de hoy quizás se pueda sacar una lección del vacío espiritual que abrió el camino a los campos de batalla de la Europa hace 100 años.

martes, 25 de octubre de 2016

Los teatros Romanos

Los teatros romanos derivan su diseño básico del Teatro de Pompeyo, el primer teatro romano permanente. Las características de los romanos a los de los teatros griegos anteriores, debido en gran parte a su influencia en el triunviro romano Cneo Pompeyo Magno. Gran parte de la influencia de la arquitectura de los romanos llegaron a los griegos, y el diseño estructural de teatro no era diferente de otros edificios. Sin embargo, los teatros romanos tienen diferencias específicas, como la que se está construyendo sobre sus propias bases en lugar de movimiento de tierras o una ladera y ser completamente cerrado por todos los lados.
El teatro romano tenía la forma de un círculo con la mitad o espacio orquesta en frente del escenario. Muy a menudo el público se sentaba aquí en cómodas sillas. Ocasionalmente, sin embargo, los actores se realizar en este espacio. Para resolver el problema de la iluminación y el sonido – los teatros eran al aire libre.
Los romanos construyeron teatros en cualquier lugar, incluso en las llanuras planas, elevando toda la estructura del suelo. Como resultado, toda la estructura era más integrado y entradas / salidas podría ser incorporado en la cueva, como se hace en grandes teatros y estadios deportivos de hoy. La arena era tan alto como el resto de la estructura, por lo que la audiencia no podía mirar más allá de la etapa. También creó más de un ambiente cerrado y puede haber ayudado a mantener fuera los ruidos de la ciudad. Una lona podría ser manipulado y se movió sobre la parte superior del teatro para crear sombra.
La enorme cantidad de personas presentes aún tenía problemas para el sonido ya que el público no siempre se quedaría tranquila. Para resolver este problema, el vestuario y la máscara fueron usados ​​para mostrar el tipo de persona en el escenario. Los diferentes símbolos fueron elaborados. Los actores llevaban máscaras – marrón para los hombres, blanco para las mujeres, la sonrisa o triste, dependiendo del tipo de juego. Los trajes mostraron a la audiencia que la persona era – un vestido púrpura para un hombre rico, una toga de rayas para un joven, una capa corta para un soldado, una toga roja para un hombre pobre, una túnica corta para un esclavo etc. Las mujeres eran no se les permite actuar, por lo que sus partes se juega normalmente por un hombre o chicos jóvenes que llevaba una máscara blanca.
Los actores hablaron las líneas, pero un segundo actor habló de los gestos para ajustarse a las líneas, junto con la música de fondo. Algunas cosas estaban representados por una serie de gestos, que son reconocidos por el público para significar algo, como sentirse un impulso de mostrar a una persona enferma, por lo que la forma de una lira con los dedos para mostrar la música. El público a menudo estaba más interesado en sus actores favoritos que el propio juego. Los actores tratarán de ganarse a los elogios de la audiencia con máscaras decorativas, trajes, el baile y el mimo.
Si la obra con guión muerte de un actor, un hombre condenado tomaría el lugar del actor en el último momento y en realidad ser matado en el escenario. Los romanos encantaron los espectáculos sanguinarios. Emperadores como Nerón utilizan el teatro como una forma de mostrar sus propios talentos – bueno o de lo contrario. Nero utiliza realmente para cantar y no dejaba que nadie deje hasta que se terminó.
La mayoría de los teatros en pie datan del período helenístico, que data del siglo 4 antes de Cristo y después. Es posible asumir gran parte de las características fueron preservados, pero no definitivamente. Esto es debido al hecho de que la mayoría juega direcciones puesta en escena completamente carecido. Esas instrucciones que se encuentran en las traducciones modernas se añaden simplemente por el traductor. Algunas obras de teatro, sin embargo, no contienen a veces requisitos escénicos.
gran teatro de Pompeya se sometió a un cambio estructural del estilo helenístico a un estilo más grecorromana. Los teatros helenísticos tradicionales tuvieron la sección de escena se movió hacia adelante en el área de orquesta, reduciéndolo a un semicírculo. La parte delantera de la escena convierte en un “proskeniontogeion ‘(etapa de alta elevado). La etapa fue de 8-12 pies, 45-140 pies de ancho, y 6.5-14 pies de profundidad. La pared posterior del escenario tenía 1-3 puertas que daban a la escena, pero más tarde el número de puertas aumentó a 1-7, dependiendo del teatro. La etapa fue financiada en parte delantera por columnas abiertas.
Prismas triangulares de madera con una escena diferente pintada en cada lado ( periaktoi ) se crearon y se encuentran cerca de la entrada lateral del escenario. Esto permitió un espectáculo más realista. La etapa más alta dio lugar a una mejor actuación que más tarde atrajo a actores y su popularidad.
Después de los romanos se trasladaron a la zona y construyeron el odio, el teatro de Pompeya sufrió cambios completos y en el 65 dC, el teatro transformó lejos del estilo helenístico en el estilo grecorromano de teatro. Un pórticos se añadió en la parte posterior del teatro. Se eliminaron los extremos del edificio escena.
Se añadieron filas de asientos para los invitados de honor. La etapa se bajó y se añadieron 2 vuelos cortos de escaleras que conducen a las escaleras. Estos cambios fueron importantes porque la intención del teatro era reemplazar las etapas provisionales de madera que los romanos estaban utilizando para albergar sus tragedias y comedias. El nuevo aspecto del teatro es lo que se dejó en el mundo después de la erupción del Vesubio fatal.
El drama italiano antiguo que se conoce, se sabe que provienen de la región de Campania, que se encuentra en la mitad sur de Italia. Fue en la ciudad de Atella, donde las farsas Atellan se hizo popular. Estos fueron escritos originalmente en el idioma del osco, y posteriormente traducidos al latín como estas farsas prendido en Roma. Lo que permitió tesis juega a hacerse popular, sin embargo, era en realidad debido a los etruscos del Norte, así como colonias griegas situadas en el lado oriental de la península a la que los romanos han dado el crédito de la introducción de las muchas formas de música y danza .
En 364 aC, los romanos introdujeron específicamente la forma etrusca del ballet como un baile con el fin de apaciguar a los dioses, para que puedan eliminar una plaga del imperio. Livio Andrónico, que se cree que es un esclavo liberado durante el siglo 3 antes de Cristo, se le atribuye para la traducción de las primeras obras griegas al latín, así como la producción de ellos (Butler 79). Muchas de las actuaciones se asociaron con fiestas importantes, así como con las fiestas religiosas.
teatros romanos se construyeron en todas las áreas del imperio desde medieval España de hoy, a Oriente Medio. Debido a la capacidad de los romanos para influir en la arquitectura local, vemos numerosos teatros de todo el mundo con atributos de forma única romanos.
Existen similitudes entre los teatros y anfiteatros de la antigua Roma / Italia. Fueron construidos a partir del mismo material, el hormigón romano, y proporcionan un lugar para el público para ir a ver numerosos eventos durante todo el Imperio. Sin embargo, son dos estructuras completamente diferentes, con diseños específicos que se prestan a los diferentes eventos que se llevan a cabo. Anfiteatros no necesitaban acústica superior, a diferencia de los proporcionados por la estructura de un teatro romano. Mientras anfiteatros ofrecerían carreras y eventos de gladiadores, teatros organizaron eventos como obras de teatro, pantomimas, eventos corales, y oraciones. Su diseño, con su forma semicircular, mejora la acústica natural, a diferencia de los anfiteatros romanos construyeron en la ronda.
Estos edificios fueron semi-circular y poseían ciertas estructuras inherentes de la arquitectura, con pequeñas diferencias dependiendo de la región en la que se construyeron. Los frons frons era una pared posterior alta del piso del escenario, sostenido por columnas. El proscaenium era una pared que se apoya el borde frontal del escenario con nichos decorados profusamente a los lados. La influencia helenística se ve a través del uso de la proscaenium. El teatro romano también tenía un podio, que a veces apoya las columnas de la frons frons. El frons no fue originalmente parte del propio edificio, construido sólo para proporcionar suficientes antecedentes para los actores. Con el tiempo, se convirtió en una parte del edificio en sí, hecha de hormigón. El teatro en sí se divide en la etapa (orquesta) y la sección de asiento (auditorio). Vomitoria o entradas y salidas se ponen a disposición del público.
El auditorio, el área en la que personas se reunieron, a veces se construyó en una pequeña colina o pendiente en la que apila asientos podría ser fácilmente hecho en la tradición de los teatros griegos. La parte central del auditorio fue excavado en una colina o pendiente, mientras que los asientos exteriores radianes requieren soporte estructural y muros de contención de sólidos. Esto fue, por supuesto, no siempre es así como romanos tendían a construir sus teatros, independientemente de la disponibilidad de las laderas. Todos los teatros construidos dentro de la ciudad de Roma eran completamente hecha por el hombre sin el uso de movimientos de tierra. El auditorio no estaba techado; más bien, toldos (vela) podría ser tirado encima de la cabeza para proporcionar refugio de la lluvia o la luz solar.
Algunos teatros romanos, construidos de madera, fueron derribadas después del festival para el que fueron erigidos concluido. Esta práctica se debió a una suspensión de las estructuras permanentes de teatro que duró hasta el año 55 aC, cuando el Teatro de Pompeyo fue construido con la adición de un templo para evitar la ley. Algunos teatros romanos muestran signos de no haber sido completado en el primer lugar.
Dentro de Roma, a pocos teatros han sobrevivido a los siglos después de su construcción, proporcionando poca evidencia sobre los teatros específicos. Arausio, el teatro en la actual Orange, Francia, es un buen ejemplo de un teatro romano clásico, con un frons frons sangría, que recuerda a los diseños del teatro romano de Occidente, sin embargo falta la estructura más ornamental. El Arausio siguen aún en pie y, con sus impresionantes acústica estructurales y haber tenido su asiento reconstruida, puede ser visto como una maravilla de la arquitectura romana.
Plano de distribución estándar
Estructura de Teatro
Vista interior del auditorio
1) frons frons 2) Pórtico posterior scaenam 3) pulpitum 4) Proscaenium
5) Orquesta 6) cavea 7) Aditus maximus 8) Vomitorium
Los frons frons es el fondo elaboradamente decorado de un escenario del teatro romano. Esta zona suele tener varias entradas a la etapa incluyendo una entrada central de los grandes. Los frons frons es dos o en algún momento de tres pisos de altura y fue fundamental para el impacto visual del teatro para esto fue lo que se ve por una audiencia romana en todo momento. Niveles o balcones fueron apoyados por un generoso número de columnas clásicas. Este estilo fue influenciado por el teatro griego. El equivalente griego era el edificio “Escena”. Se presta su nombre a “proscenio”, que describe el escenario o espacio “antes de la escena.”
El pulpito es una característica común en la catedral medieval y la arquitectura monástica en Europa. Se trata de una pantalla gigante, con mayor frecuencia construido de piedra, o en ocasiones la madera, que divide el coro (el área que contiene la sillería del coro y altar de una catedral, universitarios o iglesia monástica) de la nave y ambulatoria (las partes de la iglesia a la que los fieles laicos pueden tener acceso).
A proscenio es el área de un teatro que rodea la abertura etapa. Tenga en cuenta que un teatro de proscenio no se debe confundir con un “arco de proscenio del teatro”.
La cavea eran las celdas subterráneas en las que los animales salvajes fueron confinados antes de los combates en la arena romana o anfiteatro.
Un vomitorium es un pasaje situado por debajo o detrás de una fila de asientos en un anfiteatro, a través del cual grandes multitudes pueden salir rápidamente al final de un performance.They son también una vía para que los actores entran y fuera del escenario. La palabra latina vomitorium, plural vomitoria, deriva del verbo vomeo, vomere, vomitum, “a vomitar.” En la antigua arquitectura romana, vomitoria fueron diseñados para permitir la salida rápida para grandes multitudes en anfiteatros y estadios, como lo hacen en los estadios deportivos modernos y grandes teatros.
Teatro de Marcelo
El único teatro antiguo de sobrevivir en Roma, el Teatro de Marcelo, fue iniciado por César y terminó por Augusto alrededor del año 11 o 13. Se coloca en el nivel del suelo y se apoya mediante la radiación de las paredes y bóvedas de hormigón. Una galería con medias columnas adosadas recorre todo el edificio. Las columnas son dórico y jónico.
En el teatro, los habitantes y visitantes pudieron ver las representaciones de teatro y canto. Hoy en día su antiguo edificio en el rione de Sant’Angelo, Roma, una vez más, ofrece uno de los muchos espectáculos populares de la ciudad o en los sitios turísticos. Fue nombrado después de Marco Marcelo, sobrino del emperador Augusto, que murió cinco años antes de su finalización. Espacio para el teatro fue despejado por Julio César, que fue asesinado antes de que pudiera iniciarse; el teatro fue tan avanzada en un 17 aC esa parte de la celebración de los ludi saeculares tuvo lugar en el teatro; se terminó en el año 13 aC y formalmente inaugurado en el año 12 aC por Augusto.
El teatro fue de 111 m de diámetro; se podría sostener inicialmente 11.000 espectadores. Fue un gran ejemplo de lo que se convertiría en una de las formas arquitectónicas urbanas más extendidas del mundo romano. El teatro fue construido principalmente de toba, y el hormigón se enfrentó con piedras en el patrón conocido como opus reticulatum, completamente revestido de travertino blanco. La red de arcos, pasillos, túneles y rampas que daban acceso a los interiores de estos teatros romanos fueron normalmente adornado con una pantalla de columnas dedicadas a órdenes griegos: dórico en la base, jónico en el medio. Se cree que las columnas corintias se utilizaron para el nivel superior, pero esto no es seguro que el teatro fue reconstruido en la Edad Media, la eliminación de la grada superior de asientos y las columnas.
Al igual que otros teatros romanos en lugares adecuados, que tenía aberturas por las que podría verse el entorno natural, en este caso la Isla Tiberina al suroeste. El ajuste permanente, el scaena, también subió a lo alto de la cavea como en otros teatros romanos.
El nombre templum Marcelli todavía se aferraba a las ruinas en 998. En la Alta Edad Media el Teatro di Marcello fue utilizado como fortaleza de los Fabios y luego, al final del siglo 11, por Pier Leoni y después sus herederos (la Pierleoni) . El Savelli lo sostuvo en el siglo 13. Más tarde, en el siglo 16, la residencia de los Orsini, diseñado por Baldassare Peruzzi, fue construido sobre las ruinas del antiguo teatro.
Ahora, la parte superior se divide en varios apartamentos y su entorno se utiliza como lugar para conciertos pequeños de verano; el Pórtico de Ottavia se encuentra al oeste del norte que conduce al gueto de Roma y el Tíber, al suroeste.
En el siglo 17, el famoso arquitecto Sir Christopher Wren Inglés reconoció explícitamente que su diseño para el Teatro Sheldonian en Oxford fue influenciado por el grabado del Teatro de Marcelo de Serlio.
Teatro en el Orange
El Teatro de Orange es un antiguo teatro romano, en Orange, al sur de Francia, construido a principios del siglo 1 CE. Es propiedad de la municipalidad de Orange y es el hogar del festival de ópera de verano, el Chorégies de Orange.
Es uno de los mejor conservados de todos los teatros romanos de la colonia romana de Arausio (o, más específicamente, en la colonia Julia Firma Secundanorum Arausio: “la colonia Julián de Arausio establecido por los soldados de la segunda legión”), que fue fundada en 40 antes de Cristo. Jugando un papel importante en la vida de los ciudadanos, que pasó gran parte de su tiempo libre allí, el teatro fue visto por las autoridades romanas no sólo como un medio de difusión de la cultura romana a las colonias, sino también como una forma de distracción a partir de todas las actividades políticas. Mimo, pantomima, lecturas de poemas y el “attelana” (una especie de farsa más bien como la comedia del arte) era la forma dominante de entretenimiento, mucha de la cual se prolongó durante todo el día. Para la gente común, que eran amo los efectos espectaculares, magníficos escenarios se volvieron muy importantes, al igual que el uso de la maquinaria escénica. El entretenimiento ofrecido estaba abierta a todos y de forma gratuita.
A medida que el Imperio Romano de Occidente se redujo durante el siglo cuarto, momento en el cual el cristianismo se convirtió en la religión oficial, el teatro fue cerrado por decreto oficial en el año 391 desde que la Iglesia se opuso a lo que consideraba como las gafas no civilizados. Después de eso, el teatro fue abandonado por completo. Fue saqueada y saqueada por los “bárbaros” y fue utilizado como puesto defensivo en la Edad Media. Durante las guerras de religión del siglo 16, se convirtió en un refugio para la gente del pueblo.

martes, 13 de septiembre de 2016

7 razones por las que apuntarse a un grupo de teatro para adultos

Si te gusta el teatro, la música y el teatro, que está justo en el lugar perfecto. Si usted no sabe lo beneficioso que es para unirse al grupo de teatro, éste es para ti.
Si el drama o teatro le interesa, esto va a ser una lectura interesante para usted. Hay una gran cantidad de beneficios de unirse a un grupo de teatro. Por lo tanto, vamos a ir a través de los siete más importantes …
• La expresión a: Por supuesto, las habilidades como la actuación y el baile se verá reforzada por unirse a las clases de teatro, pero aparte de eso, es la expresión de uno mismo que vencerá. La gente en ese campo se vuelven más expresiva.
• Confianza: Algunas personas son muy tímida, tanto que ellos se sienten tímidos para mostrar su talento también. Así, este grupo le ayudará a deshacerse de la timidez de distancia y aumentar la confianza de actuar delante de gran audiencia y dar lo mejor.
• Social: Esto también les ayudará a conocer gente nueva; que reciben la oportunidad de hacer nuevos amigos. Esto aumenta y mejora su experiencia social. Es una gran manera de conocer nuevas personas encantadoras y disfrutar de las reuniones semanales con ellos. Esas pocas personas se introducirá a unas cuantas personas más y así sucesivamente …
• Creativa: lecciones del drama hacen que usted se convierte en mucho más creativa. Se le permite salir de su vida moderna práctica y entrar en el mundo de la imaginación. Por lo tanto, es una gran manera que le permite mostrar su creatividad.
• Diversión: Usted puede sentir un poco conscientes, en realidad mucho más que un poco, en un primer momento. Sin embargo, con el tiempo, se le acaba de lanzarse libre y dejar pasar el malestar; y después de unos días, será una gran cantidad de diversión.
• Beneficios de trabajo: Si usted ha aprendido nada, inscrito en un curso, participado en un concurso, tiene un certificado o por lo menos haber sido parte de un grupo, se crea un gran impacto positivo en su carrera.
• Nueva manía: Si usted está cansado de todo y si usted está mirando hacia fuera para un nuevo pasatiempo, éste puede llegar a ser la mejor. Se mata el tiempo, necesita menos dedicación y da muy divertido too.Now que ya conoce los beneficios de unirse a un grupo de teatro, es recomendable para que se unan a uno tan pronto como sea posible.

7 razones, ¿por qué el teatro hace que nuestra vida mejor?

Como alguien que provenía de una familia de médicos, comenzó pre-medicina en la universidad, se desvió a la filosofía, a continuación, la enseñanza, y finalmente al teatro – No solamente mis opciones de carrera deslice de manera constante cuesta abajo desde la perspectiva de mi madre, pero me quedé con una dilema moral: qué mi profesión elegida, teatro, hacer una valiosa contribución al mundo en comparación con las otras profesiones que dejé atrás? Creo que este dilema ha quedado conmigo, porque tan reciente como el invierno pasado hice una lista de las siete razones por las cuestiones de teatro y me gustaría compartir con ustedes brevemente esta noche.

En primer lugar, el teatro no hace ningún daño. El teatro es una de las actividades humanas que no hace daño a nadie ni a nada (a excepción de su huella de carbono – pero vamos a ignorar que, por ahora). Mientras que estamos comprometidos en hacer o asistir a teatro, o cualquiera de las artes para el caso, no estamos comprometidos en la guerra, la persecución, la delincuencia, maltrato a la mujer, la bebida, la pornografía, o cualquiera de los vicios sociales o personales que podríamos estar comprometido en su lugar. Sólo por esta razón, cuanto más tiempo y energía que nosotros como sociedad dedicar a teatro y las artes, mejor estaremos.

En segundo lugar, el teatro es una expresión sofisticada de una necesidad humana básica – que se podría llamar un instinto -. Para imitar, a las historias Onto nosotros mismos y otros proyectos, y para crear significado a través de la narrativa y la metáfora . Vemos este instinto que expresamos cuando actúan personajes y acontecimientos reales o imaginarios. Tenemos evidencia de rituales como en el cine en algunas de las sociedades humanas más antiguas, mucho antes de que las bases de teatro occidental en la antigua Grecia. Así siguieron las cosas de teatro, en esencia, porque no podemos evitarlo. Es parte de lo que nos hace humanos.

En tercer lugar, el teatro une a las personas. Para un rendimiento suceda, en cualquier lugar de cien a mil o más personas tienen que reunir en un mismo lugar durante un par de horas, y compartir juntos en el testimonio y la contemplación de un evento que puede ser bello, divertido , en movimiento, a la reflexión, o con suerte, al menos, de desvío. Y en una época en que la mayor parte de nuestra comunicación pasa delante de una pantalla, creo que esta función reunión de teatro es, en sí mismo, algo que importa.

En cuarto lugar, los modelos de teatro para nosotros un tipo de discurso público que se encuentra en el corazón de la vida democrática, y construye nuestras habilidades para escuchar diferentes lados de una conversación o discusión, y solidarizarse con las luchas de los demás seres humanos cualesquiera que sean sus puntos de vista pueden ser . cuando vemos una obra de teatro, aprendemos lo que sucede cuando los conflictos no se resuelven, y lo que sucede cuando lo hacen. Desarrollamos nuestra facultad de imaginar los resultados de varias opciones que podríamos hacer en nuestra vida personal y nuestra vida política. No es de extrañar que, en las sociedades represivas, el teatro ha sido a menudo alineados con el movimiento hacia la apertura y la libertad. En Sudáfrica teatro jugó un papel en la lucha contra el apartheid; en Checoslovaquia, un autor teatral se convirtió en el líder de una nueva democracia. Si nuestros propios representantes y senadores en Washington fueron al teatro con más frecuencia, sospecho que todos estaríamos mejor.

En quinto lugar, tanto la realización de teatro y asistir de teatro contribuyen a la educación y la alfabetización. Viendo los personajes hablan de ida y vuelta en el teatro es complicado; que requiere una atención aguda, cambios mentales rápidos, ágiles y idiomas. Nos enseña acerca de la motivación humana y la psicología. En las obras históricas que obtenemos lecciones de liderazgo y gobierno. En las obras contemporáneas, aprendemos sobre las personas y las culturas en diferentes partes o nuestro propio país o en otros países. Los estudios han demostrado que los estudiantes que participan en el teatro mejor en la escuela. Making juega unida también señala jóvenes fuera de sus conchas y les ayuda a aprender a socializar de una manera productiva y saludable.

En sexto lugar, el teatro como una industria contribuye a nuestra economía y juega un papel especial en la revitalización de barrios descuidados. Hemos visto esto con bastante claridad en nuestra propia ciudad. Usted puede mirar en el papel que juega el Teatro Estudio a lo largo del corredor de la calle 14, o el Teatro Shakespeare a lo largo de la calle Séptima, o lanoso tanto en estos barrios, o Teatro Hispano Gala en Columbia Heights , el Atlas a lo largo de la calle H, o el nuevo Estadio Arena a lo largo de la línea de costa. Como cada uno de estos teatros abiertos, nuevas audiencias comenzaron las inundaciones en, nuevos restaurantes abiertos, trabajos fueron creados, la ciudad ha mejorado las aceras, y los barrios que antes eran sombrías y prohibiendo convirtió en centros vibrantes de actividad. Y este patrón se ha repetido en varias ciudades de los Estados Unidos y en todo el mundo.

Por último, el séptimo manera que los asuntos de teatro – y éste se aplica a algunos tipos de teatro más que otros – es que influye en la forma en que pensamos y sentimos sobre nuestras propias vidas y nos anima a tomar una mirada a nosotros mismos, nuestra valores y nuestro comportamiento. El ejemplo más claro de esto que he experimentado fue durante una posterior a la función discusión en mamut lanoso cuando una mujer dijo que una de nuestras obras de teatro hizo ella y su marido decidir que tenían un problema grave en su matrimonio y tenía que ir para el asesoramiento; y ella se complace en informar de que estaban todavía juntos y mucho más feliz como resultado. Ahora, lo admito, no escucho cosas como esta todos los días. Pero hablando en términos más generales, no es ésta una de las cosas que ir al teatro para, para medir nuestra propia vida contra la vida que vemos representado en el escenario, de imaginar lo que sería como si tuviéramos esas vidas en su lugar? Y no se trata de un paso muy corto desde allí a decir, ‘quizás hay algo que debería cambiar en mi propia vida? Y puede que no tienen nada que ver con el mensaje de que el dramaturgo quería entregar! Tal vez el juego se trata de una feroz batalla por una cena familiar que rompe el linaje de por sí sobre las divisiones políticas irreconciliables – pero tal vez ver la obra y decir, Dios, ¿no sería bueno tener al menos una cena familiar de vez en tiempo, y por lo que decide planear una para el próximo mes.

Por lo tanto, esos son mis siete maneras de que los asuntos de teatro: no hace ningún daño, expresa un instinto humano básico, une a las personas, los modelos de discurso democrático, contribuye a la educación y literaria, las chispas revitalización económica, e influye en la forma en que piensan y sienten acerca de nuestra propia vive.

martes, 12 de julio de 2016

La historia del teatro Globe en Inglaterra

Historia de los teatros de Londres isabelino – incluyendo el teatro del globe
El primer teatro adecuada tal como la conocemos se llamó Teatro, construido en Shoreditch, Londres en 1576 y el dueño fue James Burbage. James Burbage había obtenido un 21 años de arrendamiento con permiso para construir la primera casa de juegos, acertadamente llamado ‘Teatro’. Antes de este tiempo se llevaron a cabo obras de teatro en el patio de la posada posadas o yardas, o, a veces, en las casas de los nobles o en circunstancias extremas en terreno abierto. Después de teatro, salas de teatro de aire más abiertas (teatros) se abrieron en el área de Londres, incluyendo el Teatro Rose (1587), y el Teatro de la Esperanza (1613). La casa de juegos isabelino más famoso (teatro) fue el teatro del globe (1599) construido por la empresa en la que Shakespeare tenía una estaca – ahora a menudo se refiere como el de Shakespeare Globe. La historia completa del teatro isabelino, con todos sus teatros, casas de juego y posada-yardas está disponible haciendo clic en el enlace de Teatro isabelino que proporciona información completa sobre isabelino Inn-astilleros, teatros y Casas de juegos.
El arrendamiento del ‘Teatro’ expira
el 21 años de arrendamiento de la tierra sobre la cual había sido construido Teatro expiraba a finales de 1597. El propietario del suelo del teatro fue llamado Giles Allen . Un hombre de agarre, desaprobaba producciones de teatro, teatro en general, y elevó el precio del contrato de arrendamiento del teatro a un nivel exorbitante. La compañía logró acordar nuevos términos, y cuando el contrato de arrendamiento del Teatro finalmente expiró Hombres de Chamberlain se vieron obligados a trasladarse a la cortina de teatro, otra casa de juego público cerca de Teatro. Todos los intentos de negociar el nuevo contrato de alquiler y el arrendamiento de Teatro fallaron y Giles Allen planeados para tirar hacia abajo Teatro y sacar provecho de los materiales de construcción. Pero Burbage encontró una cláusula en su anterior contrato de arrendamiento que les permite desmantelar Teatro edificio.
Los jugadores decidieron tirar hacia abajo el teatro y el transporte de la madera a un nuevo sitio de Teatro en Bankside en Southwark. El trabajo de demolición de Teatro y el transporte de la madera a través del río Támesis fue ruidosamente a cabo por el grupo de actores mismos. Giles Allen era absolutamente furioso. Un nuevo teatro se construiría aprendiendo tanto de los errores y aciertos del original ‘Teatro’. El nuevo teatro se llamó The Globe.
El Teatro Globe, Bankside en Southwark, Londres
The Globe, construido por el carpintero Peter Smith y sus trabajadores, fue el más magnífico teatro que Londres nunca había visto y construido en 1597 -1598. Este teatro podía contener varios miles de personas! El teatro del globe no se limita a mostrar las obras. También tenía fama de ser una casa burdel y los juegos de azar. Estaba situado en la orilla sur del río Támesis, en Southwark. El viejo teatro del globe era un magnífico anfiteatro. Mapas de Londres muestran claramente la arquitectura del teatro del globe, y éstos han permitido una visión aproximada del antiguo teatro del globe que se puede extraer. Ni una sola imagen en el interior del viejo teatro del globe está en existencia, sin embargo, una imagen de otra anfiteatro , el cisne, ha sobrevivido. Los anfiteatros fueron similares en diseño, por lo que la imagen del teatro del cisne se pueden utilizar una buena guía para la estructura del viejo mundo.
El Teatro Globe es un gran éxito
del teatro del globe fue un gran éxito y ya que había sido construido en las proximidades del Jardín del oso. Los beneficios del Jardín del oso desplomado y en 1614 Henslowe y Edward Alleyn (el actor más famoso de Inglaterra isabelina) que tenía demolida y reemplazada por una nueva casa de juegos que llamaron La Esperanza Teatro (bien llamada!). Edward Alleyn volvió a los escenarios en un intento por atraer a la multitud desde el teatro del globe.
El Teatro Globe – Reproduce el
Reproduce eran grandes !! No había dinero de por medio !! Hubo una demanda constante de nuevos materiales !! La rivalidad entre los teatros Casas de juegos era enorme !! Tan pronto como una obra había sido escrita que fue producido de inmediato – la impresión siguió producciones! Por lo que los actores utilizan inicialmente ‘falta’ papeles o indicaciones. Compañías de teatro rivales enviarían a sus miembros para asistir a obras de teatro para producir copias no autorizadas de obras de teatro – notas se tomaron y se copian lo más rápido posible. En la época de Shakespeare copyright no existía. Versiones alternativas de las obras de Shakespeare se produjeron! Estas copias no autorizadas de texto e inferior de las obras de Shakespeare se llaman Quarto Textos. El éxito de los teatros isabelinos, entre ellos el Globe, fue tal que otras formas de entretenimiento isabelino estaban siendo seriamente afectados. En 1591 la creciente popularidad de los teatros condujo a una ley de cierre de todos los teatros, los jueves de manera que el toro y el oso industrias Bating no se descuide!
El Teatro Globe – El evento
Días en el teatro Globe habrían sido un evento muy emocionante. Los jardines que rodean el Teatro Globe habrían sido un hervidero de gente. Habría Puestos de venta de mercancía y refrescos que crean un ambiente día de mercado. Los no aficionados al teatro que acuden al teatro Globe de ir a los puestos del mercado y ‘empaparse de’ la atmósfera de fiesta similar. El globe habría atraído sobre todo a los jóvenes y la había muchas quejas de los aprendices , evitando el trabajo con el fin de ir al teatro. Una trompeta sonó para anunciar a la gente que el juego estaba a punto de comenzar en el teatro del globe a fin de que la gente a tomar sus lugares finales.
Elevándose por encima del globe era una pequeña torre con un asta de la bandera. Banderas fueron utilizadas como una forma de publicidad isabelino! Banderas se erigieron en el día de la función que a veces aparece un cuadro publicidad de la siguiente jugada a realizar. También se utilizó la codificación de color – un negro de la bandera significó una tragedia, una comedia blanca y roja antecedentes. Publicidad isabelino y shakesperiano!
Cresta y el lema del teatro del globe
Para anunciar la llegada de la nueva casa de juegos, Hombres de Lord Chamberlain voló una bandera que ofrece la figura de Hércules que lleva un globe en sus hombros para anunciar la realización inminente de su primera actuación, Julio César. Este tema se muestra por encima de la entrada principal del Teatro Globe. Una cresta presentan Hércules que lleva el mundo sobre sus hombros, junto con el lema “Totus mundus
agit histrionem” (todo el mundo es una casa de juegos). Esta frase fue ligeramente reformularse en el William Shakespeare Como gustéis – “Todo el mundo es un escenario” que se realizó en el Teatro Globe.
El Teatro Globe – las producciones
El propósito construido el teatro Globe permitido producciones teatrales para llegar a ser bastante sofisticado con el uso de apoyos masivos tales como cánones completamente de trabajo, aunque habría tenido que ser dejado en el escenario durante toda la representación de la obra, por supuesto. Efectos especiales en el globe fueron también una adición espectacular en el teatro lo que permite efectos de humo, el disparo de un verdadero canon, fuegos artificiales (para las escenas de batalla dramáticos) y espectacular ‘volando’ entradas de los aparejos en los cielos ”. El suelo del escenario tenía trampillas que permiten incidentes sorprendentes adicionales. La música fue otra adición a las producciones de Globe. No era de extrañar que el Teatro Globe y esta forma de entretenimiento isabelino fue tan popular. La visión de los actores de Shakespeare parecer que vuelan debe haber sido bastante sorprendente que las audiencias diiscerning teatro isabelino.
El Teatro Globe – los actores
de la audiencia Globe Theater nunca tuvo tiempo para aburrirse . En tan sólo dos semanas teatros isabelinos podía presentan a menudo “once actuaciones de diez obras diferentes”. Los actores de Shakespeare en general, sólo consiguieron sus líneas como el juego estaba en marcha. Las piezas fueron asignados a menudo en el día de la función. Muchas veces los actores ni siquiera consiguen sus propias líneas. Lo hicieron “cue actuación”, lo que significaba que había una persona detrás del escenario que susurraba las líneas para el actor justo antes de que iba a decir ellos. Esta rápida rotación llevó a la otra técnica llamada “de secuencias de comandos de referencia”, en donde se le dio a cada actor sólo sus propias líneas. La escena completa de la obra no se explicó a los agentes hasta que realmente se estaba realizando. Esta técnica permitió tiempo de ensayo cero, lo que permite una rápida rotación en términos de nuevas producciones en el Teatro Globe y una enorme gama de diferentes funciones. No hubo actrices. Los personajes femeninos tuvieron que ser interpretado por los niños pequeños. La profesión actuando no era un ser creíble y era impensable que cualquier mujer aparecería en una obra de teatro. Dos de los actores más notables de la época isabelina eran Edward Alleyn y Will Kempe. Edward Alleyn se hizo inmensamente rico debido a la participación en la celebración de una compañía de teatro (hombres del Almirante).
Las audiencias Globe Theater
El público en general isabelino (los plebeyos) se refirió como Groundlings pagarían 1 centavo a pie en el ‘Pit’ del Teatro Globe. La nobleza tendría que pagar para sentarse en las galerías menudo utilizando cojines para mayor comodidad! Nobles ricos podían ver el juego desde una silla situada en el lateral de la misma etapa del globe. Teatro actuaciones se llevaron a cabo en la tarde, porque, por supuesto, no había luz artificial. Los hombres y mujeres asistieron a obras de teatro, pero a menudo las mujeres prósperas usar una máscara para ocultar su identidad. Las obras fueron muy populares y atrajeron a grandes audiencias con el Globe. Las audiencias solamente se redujeron durante los brotes de la peste bubónica, que, por desgracia, una ocurrencia muy común durante la era isabelina. Esto sucedió en 1593, 1603 y 1608, cuando todos los teatros estaban cerrados debido a la peste bubónica (La Muerte Negro). Los actores de Shakespeare eran, por lo tanto temporal de trabajo y dejaron Londres para permanecer en otras partes de Inglaterra. William Shakespeare utilizó sin duda estos períodos de cierre para escribir más obras de teatro y volver a casa a Stratford.
La ‘Caja de oficina’
audiencias Globe tenían que poner un centavo en una caja junto a la puerta que pagar por una vista de la obra de teatro de pie en el suelo, delante del escenario. Para sentarse en la primera galería costaría un centavo en el cuadro que se celebró por un colector en la parte frontal de la escalera. Para sentarse en la segunda galería, se pone un centavo en la caja en poder del hombre en el segundo tramo de escaleras. Luego, cuando el show comenzó, los hombres fueron y poner las cajas en una habitación detrás del escenario – la taquilla isabelino. Las ganancias no fueron compartidos por los miembros de la compañía Globe como tales y los dueños de los teatros (llamados “amas de casa”), entre los que el James y su hijo el actor Richard Burbage y otras cinco personas, una de ellas fue William Shakespeare. Shakespeare recibido aproximadamente el 10% de los beneficios a pesar de que tenía una participación del 20% del capital de la compañía como James Burbage era el dueño del contrato de arrendamiento de la tierra que el teatro Globe fue construido sobre.
Shakespeare el actor
William Shakespeare tenía una participación del holding en el teatro del globe y también actuó en algunas de las producciones de las obras de teatro. No se sabe exactamente cuántos papeles Shakespeare interpretó a sí mismo, aunque tenemos alguna información documentada. Shakespeare había comenzado su carrera en el escenario de 1592, porque no es un documento que sobrevive por Robert Greene ‘Groatsworth. Es probable que Shakespeare juega el papel principal en Eduardo I (una obra de Edward Peele) en 1593. Se supone también que Shakespeare tuvo papeles pequeños en una variedad de sus propias obras, incluyendo Como gustéis (Adán), Macbeth ( rey Duncan), Enrique IV (Enrique), y Hamlet (padre de Hamlet). El primer biógrafo de Shakespeare, Nicholas Rowe, en referencia a un papel de William Shakespeare como “el fantasma en su propio Hamlet” y era “la parte superior de su actuación”.
Obras de teatro y Propaganda
cómicos de la legua de actores habían sido popular desde hace siglos en Inglaterra, pero como no había regulaciones iniciales que era posible utilizar obras de teatro como vehículo para la propaganda. Obras de teatro se podrían utilizar para fomentar la crítica del Estado y la libertad de pensamiento en términos de la religión y la política. Queen Elizabeth, siempre preocupada por su popularidad entre la gente, se dio cuenta de que a pesar de que sería prudente para hacer cumplir algunas normas que sería imprudente para aplicar demasiadas restricciones. Ella había controlado los grupos de actores que dan un paseo en 1572 mediante la concesión de una licencia por patente real a las empresas que actúan organizados, iniciando de este modo compañías legítimas como el conde de los hombres de Leicester. Cualquier jugador isabelinos pueden en cualquier momento ser obligados a mostrar sus credenciales. Y bajo la reina Isabel sujetos políticos y religiosos estaban prohibidos en el escenario. Piezas aún sin embargo a menudo llevado a acalorados debates en los cines y argumentos estallaron. El objeto de las obras sería a menudo vulgar y subido de tono. La presentación de algunas la audiencia fue el peor! Teatros no solo muestran obras de teatro. Algunos también sirvió como un foso de los osos, burdel y casa de juego. Delincuencia aumentó en teatros y después de las actuaciones de las multitudes eran ruidosas e ingobernable. Las vastas multitudes y la popularidad de los teatros de Londres necesitan algunos controles adicionales. Obras publicadas pronto requieren una licencia, que proporciona una forma de censura por parte del Estado.
Teatros están prohibidas desde London City Limits
Las objeciones a los cines se intensificaron y la Iglesia
, Londres Los funcionarios y ciudadanos respetables elevaron aún más objeciones a los teatros. Teatros no sólo se utilizan para mostrar obras de teatro. Hubo juegos de azar y en algunos incluso había cebado oso. No sólo había objeciones acerca de la naturaleza subida de tono de algunas de las obras de teatro, el aumento de la delincuencia, pero había también el riesgo real de los teatros llenos de gente que facilitan la propagación de la peste. La reputación de los actores se mantuvo de mala reputación, un legado de los ladrones y vagabundos que anteriormente habían recorrido el país poniendo en obras de teatro y su clasificación como “vagabundos y mendigos robustos”, en un acto 1572 del Parlamento.  En diciembre de 1574 del Consejo Común de Londres , bajo las influencias de las facciones puritanas, emitió una declaración que describe:
” Gran desorden rampante en la ciudad por la obsesión excesiva de grandes multitudes de personas, especialmente los jóvenes, a obras de teatro, interludios, a saber, con motivo de contiendas y disputas, las malas prácticas de la incontinencia en grandes casas de huéspedes que tiene cámaras y lugares secretos adjoning a sus escenarios abiertos y galerías, engatusar y atractivo de las criadas, especialmente de los huérfanos y los niños “buenos ciudadanos menores de edad, a Privado y contratos no encontrar, la publicación de discursos y hechos impuros, son menos honestos, y unshamefast… puesta en circulación de los asuntos populares, concurridas, y sediciosos, y muchas otras corrupciones de la juventud y otras enormidades… [Así] desde ahora y nada de juego, comedia, tragedia, interludio, no muestra pública se jugarán de manera abierta o mostraron dentro de las libertades de la ciudad… y que ningún dueño, tabernero , ni otra persona alguna dentro de las libertades de esta Ciudad deberá mostrar abiertamente o jugar… cualquier interludio, comedia, tragedia, la materia, o un espectáculo que no podrá ser leído primera y permitió… “
La protesta continuó y creció tanto que en 1596 las autoridades de Londres prohibió la presentación pública de obras de teatro y todos los teatros dentro de los límites de la ciudad de Londres. Todos los teatros ubicados en la ciudad se vieron obligados a desplazarse hacia el lado sur del río Támesis.
El Teatro Globe – el fuego y la reconstrucción del teatro del globe
El globe fue sólo en uso hasta 1613, cuando el 29 de junio estalló un incendio a cabo en el Globe Theatre. el canon usado para efectos especiales, tales como el anuncio de grandes entradas, fue cargado con pólvora y guata. el techo de paja se incendió y el Teatro Globe reducida a cenizas. no se sabe si hubo víctimas pero debe haber habido cierto pánico. En 1614 se reconstruyó el teatro del globe.
El fin del Teatro Globe – los puritanos
en 1642, bajo la fuerza de los puritanos, el Parlamento Inglés emitió una ordenanza que la supresión de todas las obras de teatro en cartelera. Las puritanos eran una facción religiosa y el término entró en uso general al final del reinado de la reina María I (Bloody Mary). Una definición amplia de los puritanos es ‘aquellos que querían cambiar por completo la Iglesia de Inglaterra, con su tipo católica de la estructura y tradiciones, para otro modelo de la iglesia reformada y llano’. Esta visión estricta propagación religiosa para abarcar muchas actividades sociales dentro de Inglaterra en movimiento a un código estricto de conducta que deploró cualquier tipo de galas o conductas impertinentes. 1642 fue un año lleno de acontecimientos para verdaderamente Inglaterra. Los puritanos, dirigido por Oliver Cromwell, que había sido elegido para el Parlamento entró en conflicto con el total de los realistas conducir por la guerra el rey Carlos I. El Inglés civil estalló. En 1644 el teatro del globe fue demolido por los puritanos. En 1647 se aprobaron normas aún más estrictas en relación con obras de teatro y teatros. Esto culminó en 1648, cuando todas las casas de juego se les ordenó que ser derribado. Todos los jugadores se que hay que aprovechar y azotados, y cualquiera que sea sorprendido asistir a una obra a ser multados cinco chelines. En 1649 la guerra civil finalmente conducen a la terrible ejecución del rey Carlos I. I n 1653 Oliver Cromwell se convierte en Lord Protector de Inglaterra. En 1658 muere Cromwell y el poder del puritano comienza a declinar. En 1660 el rey Carlos II se restaura en el trono de Inglaterra. Con la restauración de la monarquía Inglés y, y la desaparición en el poder de los puritanos en 1660 Teatros, finalmente, abrir de nuevo. Pero el globe no es nunca reconstruido. Por favor, haga clic en el enlace correspondiente para acceder a una línea de tiempo del antiguo teatro del globe.
El sitio del antiguo teatro Globe fue redescubierto en el siglo 20 y una reconstrucción de un nuevo teatro Globe se ha construido cerca del lugar.

miércoles, 29 de junio de 2016

Diferenciar una buena o una mala actuacion

Vemos películas y programas de televisión, por lo que vemos actores todo el tiempo. Pero si no trabajamos en el negocio del entretenimiento, su arte sigue siendo un misterio. Un buen actor lo hace parecer fácil, pero no todo el mundo es un buen actor.
Lo que lo convierte en un buen actor? Marcus Geduld, un director de teatro, respondió a esa pregunta en Quora, que se vuelve a enviar en la pizarra. Geduld dice que hay 5 cualidades que denotan el buen actor :
En primer lugar, para mí, un actor es bueno si él me hace creer que está realmente pasando por lo que su personaje está atravesando. Estoy hablando un poco sobre la materia física ( “Realmente es cada tiro!” “Él realmente está saltando de un tren en movimiento!”), Pero sobre todo de cosas psicológica ( “Él es realmente miedo!” “Él es realmente en el amor!” ). Si un actor parece estar fingiendo, es que no está haciendo correctamente su trabajo.
En segundo lugar, el actor tiene de sorprenderme. Este es el requisito más nebulosa, pero es importante. A excepción de muy pequeñas piezas que no se supone que llamar la atención sobre sí mismos (por ejemplo, un cajero de banco que acaba cambia cheques del héroe), que no es suficiente para que los actores sólo parecen reales. Dar la impresión real es un requisito, pero un segundo requisito es que no puedo predecir cada uno de su reacción antes de que ellos tienen.
Una buena demostración de oficio de los artistas que me encontré hace poco era el vídeo de Patrick Stewart que ilustran diferentes maneras de interpretar el personaje de Shylock, mi personaje favorito de Shakespeare. Stewart demuestra diferentes maneras en que un actor puede expresar diferentes significados durante el uso de la misma escritura.

miércoles, 1 de junio de 2016

¿Se puede ser tímido e introvertido y un buen actor?

Muchos actores dinámicos, músicos y otros artistas reportan ser realmente tímidos.
Algunas personas llaman a sí mismos tímido – o que están etiquetados por los periodistas y otros – a pesar de que en realidad pueden ser introvertido o altamente sensible.
Hayley Atwell como Peggy Carter en Capitán América”Yo era muy tímido, pero mi madre siempre me llevaba al teatro y me encantó – todo el mundo sentado en una habitación oscura y que tiene la misma experiencia, va en el mismo viaje, y las cosas que no eran normalmente dicho en la vida diaria se decían en el escenario.
“No sabía cómo entrar en él. No sabía si tenía talento para ello. Ni siquiera sabía si quería hacer nada frente a la gente, pero me encantó ese mundo.
“Mis padres me inculcaron la idea de que podemos hacer y ser quien queremos ser si tenemos el nivel correcto de la conciencia.”
Maria McNamara, en su diario Los Angeles Times opinión sobre el papel protagonista de Atwell en la serie de TV “de Marvel Agente Carter” (a partir de 1.6.15), comentó que “creadores Christopher Markus y Stephen McFeely sabido combinar Rosalind Russell, Lady Mary Crawley, La Femme Nikita y todas las chicas de “El Bletchley Circle” para producir de Atwell Peggy Carter … ella es enérgica, ajuste, formidable y, cada vez más, furiosa “.
Vanessa Hudgens en SuckerPunchVanessa Hudgens es otro actor con talento y dinámico que ha hablado de ser tímido:
“Cuando yo era joven, yo no hablo con nadie si yo no los conocía.
“Me escondo detrás de mi mamá si ella trató de introducir a cualquiera.”
Parte de la razón por la que eligió para actuar en “Sucker Punch” – y usar los trajes que revelan para el papel – fue porque encontró mensaje subyacente de la película de autorización.
Ella dijo: “¿Quieres ser el mejor que se puede ser y ser el más feroz … el vestuario nos dio una sensación de confianza y poder.”
A partir de la publicación: Vanessa Hudgens en la lucha por ser fuerte y consciente .
Como muchos actores, ella también sabe que necesita valor para muchas funciones, tales como su trabajo en “Gimme Shelter”.
cita de Vanessa Hudgens
Ella dice:
“No me gusta estar estancada. Quiero seguir creciendo y acaba de ser mejor en lo que hago, y la única manera de hacerlo es seguir paso a paso fuera de su zona de confort “.
De vivir y de crear: El miedo no es una enfermedad .
Clea DuVall ha referido a sí misma como “un hijo único y yo sólo soy un tipo real solitario de la persona, y sí, un poco oscuro. Pero estoy feliz. No triste. Sólo soy tímido y nervioso “. [Imdb.com]
En la serie de televisión “Héroes” interpretó a un agente del FBI asertivo, y ha sido aclamado por su actuación dinámica en la serie “Carnivale” y películas como “21 gramos”, “The Laramie Project” y “Girl, Interrupted” -, pero Clea DuVall es sincero acerca de ser introvertido y sensible.
En una entrevista [en 2000] acerca de hacer publicidad de sus películas “Pero soy una porrista” y “comprometida”, admitió Clea DuVall,
“Esa fue mi primera sesión de fotos y yo estaba tan nerviosa. Yo estaba nervioso y tímido y Matthew Lillard y Mary McCormick son tan saliente y Brad Rowe y todo el mundo estaba haciendo tan bien y estaba apenas por debajo.
“Estaba viendo. Siento que he mejorado y no estoy como en mi concha como solía ser. He mejorado en no hacer que las personas se sienten incómodas con mi timidez “. [Calle 28, enero de 2000, publicada el CleaDuVall.net]
Y ella también ha dicho, “yo era un solitario en la escuela secundaria. Me guardo para mí, pero me gusta la vida. “
Tal vez actuando – jugando a otras personas – es una manera de utilizar la timidez o introversión, o enfrentarse a ella, para muchos artistas.
Mischa Barton dijo que siempre se llamó “el tímido” y “tiene mucho más segura que me di cuenta de la actuación era lo que realmente quería hacer.”
Kim Basinger ha dicho, “Yo era muy tímida”. Dolorosamente, terriblemente tímida. Me escondí mucho en mi habitación. Estaba tan aterrorizada a leer en voz alta en la escuela que tenía que tener mi madre preguntarle a mi maestro de lectura de no llamar a mí en la clase “.
Nicole Kidman ha dicho, “soy muy tímida – muy tímido – que incluso tenía un tartamudeo molesto, que poco a poco lo superé, pero todavía una regresión en que la timidez. Así que no me gusta entrar en un restaurante lleno de gente por mí mismo; No me gusta ir a una fiesta por mí mismo “.
Taye Diggs dice que ha estado actuando durante el tiempo que él ha sido tímido, y tiene una perspectiva interesante sobre el uso de la actuación:
“Yo no diría que mis inseguridades y la timidez han disminuido sólo porque de expresarme a través de la actuación, pero lo que tiene un papel en mi cada vez más confianza es el tipo de falso sentido de la adoración que recibe de la empresa … porque yo estaba tan insegura, me da una razón para ser un poco más de confianza “.
Introversión, alta sensibilidad
La timidez es una forma de ansiedad social y puede estar relacionado con la baja confianza, pero puede ser confundida con la introversión o alta sensibilidad – los rasgos de personalidad comunes de muchas personas creativas y con talento.
Mientras que la actuación puede ser una manera de ganar confianza, algunas personas les resulta útil para obtener asesoramiento, o explorar si tienen fobia social o algún otro tipo de ansiedad que puede mantenerlos de ser auténtico y expresivo libremente en el escenario o en la cámara.
“¿Qué es la felicidad que no sea una negociación entre la realidad y sus sueños? Es comprender que renunciar a algo por otra cosa. Siento que esa ha sido la forma en que he estado tratando de ser feliz, aunque en mi ADN que hay más de una persona deprimida. Fue entonces cuando me siento como si hubiera sido el más feliz, cuando puedo hacer que suceda la negociación y mantener las cosas equilibradas.
“Ya sea entre el trabajo y la familia, entre el activismo y la familia, entre el activismo y el trabajo, y cualquiera que sea poco tiempo como una persona introvertida que puedo tallar por mí mismo para recargar mis baterías.”
En otra entrevista, Ruffalo comenta:
“Por extraño que parezca, aunque no me identifico como cristiano, me criaron con las enseñanzas de Cristo. Quita toda del dogma y todo el ruido que oímos que rodea la religión, y esas enseñanzas, por sí mismos, ser cariñoso, amable, tolerante, y considerado cada profeta-conferencia sobre.
“Yo era un extraño, una persona introvertida, y podría relacionarse con las personas que estaban luchando y sólo tenía una sensibilidad a las personas que no estaban siendo tratados bien.”
La timidez puede ser una forma de ansiedad – aquí hay un par de puestos en mi ansiedad soluciones de alivio de sitio:
La superación de la ansiedad de rendimiento de golf
El Método Linden – Uso de Ciencias de la conducta para la ansiedad – Jemma Kidd tuvo una exitosa carrera como modelo antes de que “el descubrimiento de una nueva vocación como artista de maquillaje … abrió su propia” escuela “Maquillaje en Londres, y una línea de cosméticos del mismo nombre fue lanzado en el Reino Unido …, América, Australia, Hong Kong y Canadá “.
Jemma comenta acerca de sí misma y de su hermana, la modelo Jodie Kidd: “Hemos sufrido de ansiedad y ataques de pánico paralizante y, probablemente, la mitad de mis amigos también lo hacen. Jodie y yo utilizan el Método Linden. El programa era la respuesta que habíamos estado buscando “.